Quels films sortent dans les cinémas britanniques cette semaine ? Critiques de Frankenstein à Après la chasse

C'est une semaine extrêmement chargée en termes de nouveautés – avec plusieurs gros succès arrivant dans les cinémas britanniques, des espoirs de récompenses aux films d'horreur.

Un film qui a un pied dans ces deux catégories est la nouvelle réimagination par Guillermo del Toro du texte gothique emblématique de Mary Shelley, Frankenstein, une épopée de deux heures et demie mettant en vedette Oscar Isaac et Jacob Elordi qui fait l'objet d'une sortie en salles limitée avant une sortie sur Netflix dans quelques semaines.

Un autre film qui adopte également cette stratégie de sortie est The Ballad of a Small Player, un nouveau drame se déroulant à Macao du réalisateur du Conclave Edward Berger et dirigé par Colin Farrell. Le film avait certes des ambitions primées, mais il a rencontré un accueil plutôt controversé, ce qui pourrait également être le cas pour After the Hunt de Luca Guadagnino, une autre nouveauté de la semaine.

Ailleurs, suite d'horreur Téléphone noir 2 sort à temps pour Halloween, tandis qu'Aziz Ansari fait ses débuts en tant que réalisateur avec la comédie Good Fortune et que le réalisateur de Blue Valentine, Derek Cianfrance, revient avec le film policier réel Roofman.

Nos critiques de tous les films mentionnés ci-dessus se trouvent ci-dessous, ainsi que nos informations sur d'autres films majeurs sortis dans les cinémas britanniques ces dernières semaines – de One Battle After Another et Downton Abbey : The Grand Finale au drame sportif. La machine fracassante et une histoire vraie qui plaira au public Je jure .

Poursuivez votre lecture pour votre tour d'horizon hebdomadaire de tous les films actuellement projetés dans les cinémas britanniques.

Quels films sortent dans les cinémas britanniques cette semaine ? 17 - 23 octobre

Frankenstein

Jacob Elordi dans le rôle de la créature de Frankenstein. Ken Woroner/Netflix

Oscar Isaac et Jacob Elordi jouent dans cette version définitive du conte de Mary Shelley de 1818 sur le Prométhée moderne. D'une réalisation élégante et magnifiquement conçue, le scénariste/réalisateur Guillermo del Toro (La Forme de l'eau) utilise toutes les ruses du cinéma pour examiner ce qui se passe lorsqu'un scientifique joue à Dieu.

Isaac est le pionnier du XIXe siècle, le Dr Frankenstein, qui exploite Mère Nature, la physique moderne et le patronage d'un marchand d'armes (Christoph Waltz) pour donner vie à une créature (Elordi) cousue à partir de parties du corps. Avec un scénario captivé par la narration cinématographique à l’ancienne, ainsi que des clins d’œil au classique universel de Bride of Frankenstein, il s’agit d’une œuvre remarquablement tactile de del Toro.

Isaac plane du bon côté de la folie alors que son créateur traite sa créature avec dédain, tandis qu'Elordi trouve de la poésie dans une performance presque silencieuse. Avec une superbe cinématographie de Dan Laustsen, une musique très chargée d'Alexandre Desplat et une conception de production exquise de Tamara Deverell, c'est peut-être sanglant et sinistre, mais c'est une histoire tragique racontée avec un style captivant. – James Mottram

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Après la chasse

Ayo Edebiri dans le rôle de Maggie et Julia Roberts dans le rôle d'Alma dans After the Hunt. 2025 Amazon Content Services LLC.

Julia Roberts est une professeure de philosophie à Yale prise entre deux feux dans une affaire d'abus sexuel dans ce drame confus. La star d'Erin Brockovich incarne Alma Imhoff, une universitaire respectée approchée par un doctorant avec des nouvelles alarmantes. Maggie (Ayo Edebiri de The Bear), dont les parents sont de riches donateurs de l'université, affirme que le collègue d'Alma, Hank (Andrew Garfield), l'a agressée. Mais l’a-t-il fait ?

Le fait que Maggie soit noire et opère dans un monde largement dominé par des hommes cisgenres blancs et hétérosexuels ajoute à la dynamique complexe. Ainsi commence une polémique malavisée, scénarisée par Nora Garrett, écrite par Trent Reznor et Atticus Ross et réalisée par Luca Guadagnino (Challengers, Call Me by Your Name).

Faisant face aux abus, aux privilèges et aux droits, Roberts réalise un travail fort et réfléchi dans le rôle d'Alma, qui refuse d'abord de s'impliquer avant de s'effondrer, et une Chloë Sevigny presque méconnaissable fournit une solide performance de soutien en tant que collègue du campus. Mais cela ressemble à un écho de meilleurs films, notamment le conte culturel d'annulation Tár et le drame danois The Hunt, n'ajoutant que peu de nouveauté à la conversation. – James Mottram

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Ballade d'un petit joueur

Colin Farrell dans Ballade d'un petit joueur. Netflix

Le fraudeur et accro au jeu Colin Farrell est à la recherche d'un dernier gros score dans un thriller axé sur le style plutôt que sur le contenu qui fait un curieux détour dans la philosophie orientale. Malchanceux et interdit de presque tous les casinos du terrain de jeu des millionnaires de Macao, le pseudonyme de Farrell, Lord Doyle, est également poursuivi par une agente de recouvrement déterminée (Tilda Swinton) qui tente de récupérer une somme à six chiffres suite à une escroquerie financière au Royaume-Uni. Une amitié improbable avec l'énigmatique employé du casino (et autre joueur problématique) Fala Chen pourrait-elle apporter la solution à ses problèmes ?

L’interprétation du réalisateur Edward Berger du roman angoissant de Lawrence Osborne de 2014 est fermement ancrée dans les lumières vives, le faste et le glamour des films de Bond, ne masquant qu’en partie les lacunes et le manque de substance du récit.

Farrell, de plus en plus désespéré et en sueur perpétuelle, fait un bon poing dans son portrait d'un homme au bord de la dépression, mais on n'accorde pas assez d'attention à ses relations combatives avec Swinton, criminellement sous-utilisé, et son rival tout aussi louche, Alex Jennings. -Terry Staunton

Téléphone noir 2

Mason Thames et Ethan Hawke dans The Black Phone 2. Universel

Le scénariste/réalisateur Scott Derrickson et le co-scénariste C Robert Cargill ont fait monter la barre surnaturelle pour la suite avec un aplomb macabre et sanglant en sortant les personnages (et les acteurs) du film original de la banlieue d'une petite ville et en les bloquant dans un camp de jeunes chrétiens isolé, frappé par le blizzard, où les garçons avaient mystérieusement disparu dans les années 1950.

Les fans d'horreur remarqueront des allusions à toutes sortes de films d'horreur, qu'il s'agisse de Freddy Krueger, Vendredi 13, Poltergeist ou The Shining, mais Derrickson navigue dans son propre groove effrayant, soutenu par les stars Mason Thames et Madeleine McGraw, qui ont littéralement grandi dans leurs rôles et livrent des performances émotionnellement convaincantes.

Le premier Black Phone était une horreur de tueur en série avec un côté surnaturel, mais cette suite captivante embrasse également le paranormal et l'horreur dans toute sa splendeur sanglante. Pendant ce temps, les séquences de rêve, apparemment tournées sur une pellicule rugueuse des années 70 et rappelant le film effrayant de Derrickson en 2012, Sinister, suintent une menace troublante et provoquent de copieuses frayeurs. – Jérémie Aspinall

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Couvreur

Channing Tatum et Kirsten Dunst dans Roofman.

Channing Tatum offre la meilleure performance de sa carrière dans ce film policier poignant qui se déroule dans les années 2000. Il incarne le véritable criminel de carrière Jeffrey Manchester, qui s'échappe de prison après avoir été condamné pour avoir cambriolé 45 établissements de restauration rapide via un accès vulnérable au toit. Réfugié dans les espaces cachés d'un magasin de jouets de Caroline du Nord, il entame imprudemment une relation avec la vendeuse divorcée Leigh (une excellente Kirsten Dunst).

Le réalisateur de Blue Valentine, Derek Cianfrance, reste fidèle à la forme passée en créant un film charmant et bien observé qui plaira au public à partir du matériau le plus improbable. Si cette aventure décalée présente toutes les caractéristiques d'une comédie romantique, son troisième acte est étonnamment mélancolique alors que la cour des amoureux prend de nouvelles dimensions.

Un excellent soutien est fourni par Peter Dinklage en tant que directeur du magasin Jobsworth et LaKeith Stanfield en tant que copain vétéran louche à qui Manchester demande de forger de nouveaux papiers d'identité. Tatum et Dunst brillent tous deux au centre de ce film amusant et doux-amer, qui offre un divertissement à couper le souffle. -Alan Jones

Chance

Aziz Ansari dans le rôle d'Arj et Keanu Reeves dans le rôle de Gabriel dans Good Fortune. Crédit photo : Eddy Chen

Le premier long métrage de l’humoriste Aziz Ansari (il écrit, réalise et joue) atteint l’âge d’or d’Hollywood pour une comédie aux échos de Heaven Can Wait et It’s a Wonderful Life. Keanu Reeves incarne l'ange maladroit qui échange la vie d'un drone économique (Ansari) et d'un investisseur en capital-risque (Seth Rogen) et, en guise de punition, est emmené sur la planète Terre en tant que mec résolument non angélique.

Il y a deux histoires différentes qui tentent de cohabiter ici – trois, une fois que Keke Palmer est prise en compte comme un intérêt amoureux, et quatre lorsqu'il s'avère que son personnage essaie de syndiquer d'autres membres du précariat.

Frank Capra et Ernst Lubitsch, maîtres en la matière, auraient probablement rationalisé un peu les choses. Mais le casting est un choix et Reeves est extrêmement divertissant car il prend des photos de sa propre image, tandis que les blagues d'Ansari sur des vies gâchées par des applications, des robots et des demandes sans fin d'évaluer et d'examiner chaque interaction font vraiment mouche. – Steve Morrissey

Le meilleur du reste toujours à l'affiche dans les cinémas britanniques

Je jure

Robert Aramayo dans le rôle de John Davidson et Maxine Peake dans le rôle de Dottie Achenbach dans I Swear StudioCanal

John Davidson, atteint du syndrome de Tourette, est devenu une personnalité improbable de la télévision à la fin des années 1980 lorsque, âgé de 16 ans, il était au centre de John's Not Mad, un documentaire de la BBC examinant cette maladie. Ce film réconfortant mais inévitablement grossier raconte une histoire plus profonde, l'adolescent maintenant dans la vingtaine (joué par Robert Aramayo) et essayant de se frayer un chemin dans le monde des adultes.

Toujours moqué et ridiculisé par certains, il trouve des figures plus solidaires chez l’infirmière en santé mentale directe de Maxine Peake et le patron intérimaire avunculaire de Peter Mullan. Le scénariste/réalisateur Kirk Jones tisse habilement la comédie et le drame, sans jamais perdre de vue le sérieux du sujet (Davidson, désormais militant, est crédité en tant que consultant), mais sombre parfois dans une mièvrerie qui menace de saper le message.

Néanmoins, il bénéficie d’un casting fort et sympathique, avec Peake et Mullan proches du sommet de leur art. Dans Aramayo, cependant, il a une star, un acteur dont la gamme d'émotions constitue le cœur battant d'un film destiné à trouver une légion de fans. -Terry Staunton

• Lisez notre entretien avec le casting et le scénariste/réalisateur Kirk Jones

La machine fracassante

Dwayne Johnson dans Smashing Machine. A24

Dans un rôle pas si éloigné de sa propre expérience de lutteur de la WWE, Dwayne Johnson donne une belle performance en tant que véritable concurrent de l'UFC, Mark Kerr, dans ce drame sur le thème du sport. Se déroulant entre 1997 et 2000, l'Ultimate Fighting Championship – un sport de combat d'arts martiaux mixtes meurtrier – prend son envol avec le lutteur invaincu Kerr parmi ses phares.

Mais alors que sa dépendance aux opioïdes analgésiques s'installe et que des disputes éclatent avec sa petite amie Dawn (Emily Blunt), son monde commence à s'effondrer. Lauréat du prix du meilleur réalisateur à la Mostra de Venise 2025, Benny Safdie (coréalisateur d'Uncut Gems) privilégie ici le réalisme plutôt que le triomphalisme.

L’authenticité est renforcée par le casting de personnes du monde réel de l’UFC, y compris l’excellent Ryan Bader dans le rôle de l’ami/entraîneur de Kerr, Mark Coleman. Bien qu'un Blunt bronzé au spray et un Johnson portant une perruque soient géniaux, le récit discret n'atteint jamais vraiment les sommets dramatiques, peut-être parce que la propre histoire de Kerr n'est pas exactement remplie de moments de poing. Parfois trop pointu, c’est néanmoins un regard audacieux sur un sport incompris. – James Mottram

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Une maison de dynamite

Rebecca Ferguson dans Une maison de dynamite Eros Hoagland/Netflix

Les responsables de la Maison Blanche sont confrontés à une terrifiante course contre la montre alors qu’un missile nucléaire non provoqué est lancé vers les États-Unis dans ce drame palpitant. Tout commence dans la salle de crise du gouvernement, alors que la capitaine Olivia Walker (Rebecca Ferguson) tente de gérer la situation et de garder le contrôle de ses émotions.

Avec une action éprouvante qui ne dure que 18 minutes, l'histoire revient ensuite en arrière pour revivre les événements sous d'autres angles, notamment celui du secrétaire à la Défense (Jared Harris) et du président (Idris Elba). Réalisé avec une grande précision par Kathryn Bigelow (Zero Dark Thirty, The Hurt Locker), à partir d'un scénario solide de l'ancien journaliste Noah Oppenheim, ce film traduit parfaitement les dangers inhérents aux nations et à leurs arsenaux nucléaires, démontrant qu'en fin de compte, ce sont les gens qui doivent prendre les décisions clés et fatidiques.

Avec Elba et le reste de l'ensemble solide comme le roc montrant le côté très humain de ce terrible dilemme, le film est tout aussi percutant que le drame de la BBC Threads et d'autres drames nucléaires tels que Fail Safe et Dr Strangelove. Puissant et stimulant. – James Mottram

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Oursin

Frank Dillane dans le rôle de Mike dans Urchin.

Un jeune sans-abri lutte contre la vie dans les rues de Londres dans un premier film engageant, parfois audacieux, de l'acteur britannique Harris Dickinson (Babygirl). Frank Dillane incarne Mike, un autodestructeur, enfermé dans un cycle de violence, de toxicomanie, de prison et de maisons de transition. Au début, il bat cruellement un homme gentil, ce qui le mène à l'emprisonnement, avant qu'un saut dans le temps ne le ramène à l'extérieur, travaillant dans une cuisine d'hôtel minable puis ramassant les détritus, forgeant un lien ténu avec la voyageuse française Andrea (Megan Northam).

Dillane occupe son personnage avec une habileté impressionnante et convaincante : charismatique et charmant une minute, antipathique et égoïste la suivante. L’histoire est minime, tandis que Dickinson (qui est apparu comme un dormeur opportuniste dans la rue) ne fait qu’effleurer les problèmes sociaux et juridiques byzantins auxquels sont confrontés ceux qui tentent de sortir de la rue.

Au contraire, s’éloignant bien du réalisme social britannique, il emprunte une voie plus expressionniste, réalisant la myriade de problèmes de santé mentale de Mike à travers des choix visuels inhabituels. Un portrait de personnage saisissant. – James Mottram

Lisez notre entretien exclusif avec Harris Dickinson

Une bataille après l'autre

Une bataille après l'autre.

Ce film formidable de Paul Thomas Anderson est vaguement basé sur le roman Vineland de Thomas Pynchon de 1990. Plutôt qu'une simple adaptation, l'auteur emprunte savamment des éléments et les transforme en quelque chose qui lui est propre, en gardant intacts l'esprit rebelle, le ton comique absurde et le poids thématique du livre.

Leonardo DiCaprio incarne Bob Ferguson, un ancien membre du groupe de résistance français 75, désormais complètement vidé de son esprit révolutionnaire. Mais lorsque son ancien ennemi (Sean Penn sous une forme sensationnellement odieuse) réapparaît, Bob doit redécouvrir son combat pour pouvoir protéger sa fille adolescente (Chase Infiniti, une révélation).

La poursuite qui en résulte est passionnante, tumultueuse et parfaitement rythmée, avec DiCaprio excellant en tant que paresseux frustré ramené dans le giron. Anderson met en scène les décors du film – y compris une poursuite en voiture fascinante – de manière imprévisible et inventive, avec la musique frénétique dirigée par le piano de Jonny Greenwood le complément parfait.

Le film semble urgent et opportun, exploitant des thèmes contemporains allant du traitement barbare des immigrants aux États-Unis à la prévalence croissante des idéologies extrémistes parmi les personnes influentes, mais il y a aussi une touche d'espoir et d'émotion. Le choix d'Anderson de mettre une relation père/fille touchante au premier plan au milieu des sensations fortes donne à son film magistral un poids émotionnel indéniable. – Patrick Crémone

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Downton Abbey : la grande finale

Downton Abbey : la grande finale.

Dans le but de conclure l’une des franchises les plus attachantes de la culture populaire britannique, ce film légèrement sourd mais néanmoins chaleureux a du pain sur la planche. Heureusement, il s'abstient de sentimentalité jaillissante, introduisant à la place de nouveaux personnages amusants, notamment le suave américain d'Alessandro Nivola, Gus Sambrook et le local ultra pompeux Sir Hector Moreland (Simon Russell Beale).

Il y a aussi une rencontre avec le véritable dramaturge Noël Coward (Arty Froushan), qui devient le toast de Downton après une visite. Le réalisateur Simon Curtis, qui a également réalisé Downton Abbey : A New Era en 2022, n'épargne pas les chevaux quand il s'agit du glamour requis, et les costumes d'Anna Robbins sont également tous magnifiques.

Comme il se doit, il y a des clins d’œil à des personnages passés – y compris Violet Crawley, joué par la regrettée grande Maggie Smith – bien que la nostalgie ne soit pas entièrement teintée de larmes. Il serait injuste de prétendre que ce film de clôture se termine sur un gémissement, mais ce n'est pas non plus tout à fait la grande finale que le titre voudrait nous faire croire. Plutôt une agréable balade avec des personnages que vous connaissez et aimez. – James Mottram

• Lisez notre revue complète de Downton Abbey : une nouvelle ère
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La longue marche

Cooper Hoffman dans le rôle de Garraty et David Jonsson dans le rôle de McVries dans The Long Walk. . Crédit photo : Murray Close

Le rêve américain de devenir riche rapidement prend une tournure macabre dans cette adaptation à la fois brûlante et réfléchie du premier roman de Stephen King, publié en 1979 sous le pseudonyme de Richard Bachman. Se déroulant 19 ans après une guerre paralysante, le film présente les États-Unis sous un régime totalitaire où la fierté nationale est inspirée par une compétition télévisée de marche à pied entre 50 jeunes hommes, représentant chaque État américain.

Le vainqueur se voit promettre des richesses qui exauceront ses vœux, mais il n'y a pas de ligne d'arrivée, pas de pauses et quiconque ne suit pas le rythme recevra trois avertissements, puis une exécution instantanée. Même s’arrêter pour nouer un lacet pourrait être fatal. Les petites différences et l'antagonisme cèdent progressivement la place à l'épuisement, au délire et même à l'illumination alors que les participants s'efforcent d'être le dernier homme debout, le tout sous le regard sinistre de l'impitoyable Major (un Mark Hamill presque méconnaissable).

Cooper Hoffman (Licorice Pizza) et David Jonsson (Alien : Romulus) donnent de merveilleuses performances en tant que rivaux initiaux dont l'amitié évolutive est le cœur battant d'une horreur souvent angoissante, réalisée par Francis Lawrence – qui connaît bien la dystopie de la survie du plus fort, avec trois films Hunger Games à son actif. – Jérémie Aspinall

Spinal Tap II : La fin continue

Tap lombaire 2.

Les malheureux héros du heavy metal de This Is Spinal Tap de 1984 sont de retour aux affaires pour un dernier hourra, dans une suite tardive lourde de nostalgie mais légère en nouveaux gags. Ne s'étant pas parlé depuis 15 ans, le groupe (Michael McKean, Christopher Guest, Harry Shearer) est persuadé de se réunir à nouveau pour un autre concert, mais l'acrimonie passée ne revient jamais loin de la surface.

Bien que toute l'équipe créative du film précédent soit en place (avec un scénario rédigé par les trois acteurs principaux et le réalisateur Rob Reiner), ce nouveau chapitre n'atteint que rarement les sommets de ce qui l'a précédé. C’est quand même assez drôle, même s’il manque de la netteté et du charme que les fans pourraient espérer.

Il y a un fort soutien de la part des Britanniques Kerry Godliman, en tant que nouveau manager du groupe, et de Chris Addison en tant que dirigeant du secteur musical à la manière de Simon Cowell, il est donc dommage que les camées faisant la une des journaux de Paul McCartney et Elton John fassent éclater la bulle de la prémisse soi-disant fictive. Il y a encore du bon temps à passer, mais les personnages bien-aimés méritent un meilleur film que celui-ci. -Terry Staunton

• Lisez notre revue complète de Spinal Tap II: The End Continues

The Conjuring : derniers rites

The Conjuring : derniers rites. BM

Le dernier volet proposé dans l’univers Conjuring n’innove pas dans le domaine de la possession démoniaque, mais il s’agit d’un frisson à l’ancienne assez agréable. Basé sur l'histoire vraie de la famille Smurl, qui a emménagé dans une maison hantée en Pennsylvanie en 1973, les enquêteurs paranormaux Ed et Lorraine Warren (Patrick Wilson et Vera Farmiga) viennent à contrecœur pour aider, pour découvrir des liens avec une affaire antérieure de 1964.

Repérez la lévitation nocturne, les objets menaçants et les sauts inattendus de l'obscurité, ainsi que l'implication de la fille du couple, Judy (Mia Tomlinson). Michael Chaves (The Nun II) dirige avec compétence les frissons clichés avec une efficacité douce, en utilisant des images fantomatiques soudaines et des détonations bruyantes pour créer suffisamment de frayeurs par bouton-poussoir.

Cependant, le point d'ancrage de tous les événements effrayants reste Wilson et Farmiga, dont la chaleureuse chimie garantit que nous nous en soucions malgré la théâtralité éprouvée qui jonche la finale. Bien que Last Rites ne corresponde guère à l’esprit cauchemardesque pionnier du film original, il offre suffisamment d’effroi confiant pour divertir. -Alan Jones

• Lisez notre revue complète de The Conjuring: Last Rites

Les Roses

Sunita Mani, Olivia Colman et Ncuti Gatwa dans Les Roses. Jaap Buitendijk/Searchlight Photos

Les trésors nationaux peuvent-ils être méchants ? Les personnalités publiques bien-aimées sont-elles capables de nous convaincre qu’elles sont cruelles ?

L’anatomie d’un mariage se désintégrant dans une mer de vitriol et de torture psychologique bidirectionnelle est indéniablement un sujet sombre, un acte de grande envergure pour un cinéaste qui, si le travail est fait correctement et honnêtement, laisse peu de place au public pour soutenir l’un ou l’autre des protagonistes.

Et c’est là que réside le défaut de The Roses ; ses protagonistes sont bien trop sympathiques dans la vie de tous les jours pour emmener le spectateur dans un monde où règnent l'amertume, la récrimination et la méchanceté.

Olivia Colman et Benedict Cumberbatch ont tous deux des entrées sur leur CV où un rôle au cinéma les obligeait à être des types peu recommandables, mais ici le réalisateur Jay Roach semble commencer l'histoire avec une prémisse de l'année zéro avec des personnages charmants et vifs d'esprit, un reflet filmique des personnalités familières des stars lors des émissions de discussion et des cérémonies de remise de prix.

L'intention est peut-être d'augmenter la valeur du choc lorsque les tourtereaux se retournent ensuite l'un contre l'autre, mais la méchanceté est diluée par des burlesques polies et un peu trop de répliques zappy. – Terry Staunton

• Lisez notre critique complète de The Roses