Meilleur réalisme magique au cinéma, de John Malkovich à Birdman

Le réalisme magique est un genre difficile à définir, car il engendre souvent un décor qui se situe quelque part entre notre réalité et un fantasme surréaliste. Le genre, devenu très populaire au XXe siècle en raison de sa prédominance dans la littérature latino-américaine, connaît un essor constant dans le cinéma du monde entier. Dans le genre, des situations fantastiques se produisent souvent dans des décors réalistes, donnant lieu à des événements mythiques avec lesquels le protagoniste doit soit se battre, soit compter. Cependant, chacun des films suivants, issus de l'esprit de cinéastes allant de Spike Jonze à Alejandro G. Iñárrititi, aller au-delà de ces paramètres ; ils utilisent le réalisme magique pour créer des métaphores de la condition humaine de manière unique, et rehaussent ainsi leurs histoires bien plus que s'ils s'en tenaient à un monde réaliste standard.

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Comme de l'eau pour le chocolat (1992)

comme de l'eau pour le chocolat

Basé sur le roman du même nom de 1989 de Laura Esquivel , ce drame romantique du cinéaste mexicain Alfonso Arau a remporté 10 Ariel Awards et a été nominé aux 47e British Academy Film Awards. L'histoire suit une jeune femme nommée Tita ( Lumi Cavazos ), qui vit avec sa mère contrôlante ( Régina Torné ) au Mexique au début des années 1900. Lorsque Tita découvre qu'en raison de la tradition, il lui est interdit d'épouser l'amour de sa vie, Pedro ( Marco Léonardi ), elle met ses émotions intenses dans sa cuisine.

Dès le premier plan de Comme de l'eau pour le chocolat , on ne pourrait pas immédiatement supposer que le film est une histoire magique et réaliste. Cependant, c’est là l’éclat du genre lorsqu’il est bien fait : le décor, les personnages et le ton du film semblent tous réalistes, mais alors que la frustration et la tristesse de Tita se répandent littéralement dans la nourriture, les résultats sont mystérieux et occultes. Dans une scène mémorable, les larmes de Tita, qui tombent dans la pâte à gâteau, font pleurer de manière incontrôlable tous les convives à table qui ont mangé le gâteau. Arau mélange harmonieusement des moments de fantaisie et de réalité tout au long du film, les intégrant dans un voyage magnifique, souvent tragique, pour Tita.

Pleasantville (1998)

Cette comédie pour adolescents du scénariste-réalisateur Gary Ross est dirigé par un casting de stars, dont Reese Witherspoon , Tobey Maguire , et John Allen . Les frères et sœurs polaires opposés, David (Maguire) et Jennifer (Witherspoon), se retrouvent constamment en désaccord. Lorsqu'ils se disputent un jour la télécommande de la télévision, ils se retrouvent inexplicablement dans l'émission de télévision préférée de David, une sitcom des années 1950.

Le réalisme magique élève souvent le message d’une histoire par son exagération. En effet, Ross navigue magnifiquement tout au long de l’histoire. Ross illustre le conflit qui surgit lorsque nous réprimons nos émotions intérieures à travers le changement physique de couleurs chez David et Jennifer alors qu'ils naviguent dans leur nouvelle vie. Pleasantville . Il s’agit d’une utilisation unique du réalisme magique pour refléter les difficultés liées à l’adolescence et à l’âge adulte.

Être John Malkovich (1999)

John Malkovich dans Être John Malkovich

Le génie fantaisiste du réalisateur Jonze et de l'écrivain Charlie Kaufmann se sont réunis dans cette comédie emblématique, nominée pour trois Oscars, dont celui du meilleur scénario. L'histoire suit le marionnettiste au chômage Craig ( John Cusack ) qui découvre qu'il peut entrer dans l'esprit d'un acteur acclamé John Malkovitch . Malkovich joue une satire de lui-même dans le film, ce qui donne lieu à une histoire très originale qui entremêle les idées d'existence, d'art et d'identité.

Kaufman est connu pour son travail surréaliste et existentiel, mais Être John Malkovich se démarque comme l’une de ses meilleures utilisations du réalisme magique. Les frontières entre réalité et fantaisie sont souvent floues, mais aucun moment fantastique n’est perdu. Chaque scène est imprégnée de l’ironie et de l’esprit caractéristiques de Kaufman.

Amélie (2001)

Le film qui a rendu célèbre un petit café de Montmartre après l'avoir utilisé comme lieu de tournage, Amélie est rapidement devenu l'un des films français les plus appréciés dès sa sortie. Directeur Jean-Pierre Jeunet a remporté le prix du meilleur réalisateur pour le film aux César et a également été nominé pour un total de cinq Oscars. L'histoire suit la serveuse introvertie Amélie Poulain ( Audrey Tautou ), qui, en quête de sens, décide de ne mener que de bonnes actions pour changer la vie de son entourage.

Dès la première image du film, avec ses couleurs saturées, sa musique fantaisiste et son rythme de montage rapide, il est clair que le décor n'est pas tout à fait ancré dans la réalité. Si Jeunet avait décidé de rendre ce film tout à fait réaliste, le message aurait été complètement perdu. Amélie est une protagoniste inoubliable qui cherche désespérément à donner un sens à la société. Ce n’est que grâce à l’utilisation visionnaire et unique du réalisme magique, mêlant le surréaliste à la banalité du Paris moderne, que le public peut voir le monde à travers ses yeux.

Gros poisson (2003)

Ce Tim Burton classique, qui présente toutes les marques déposées de Burton, du design de production à grande échelle aux personnages éthérés et oniriques, était basé sur le film de 1998. Daniel Wallace roman du même nom. Ce drame fantastique acclamé a remporté six nominations aux BAFTA, ainsi qu'une nomination aux Oscars pour la meilleure musique originale pour le collaborateur de longue date de Burton. Danny Elfman . Quand fleurira-t-il ( Billy Crudup ) apprend la maladie de son père vieillissant Edward, il voyage pour lui parler pendant qu'il a encore le temps. Malgré le scepticisme de Will à l’égard des histoires farfelues de son père, il décide d’enquêter sur ces histoires et a du mal à séparer ce qui est réel de ce qui ne l’est pas.

Une grande partie du réalisme magique tout au long du film repose sur la difficulté de Will Bloom à distinguer le fantasme de la réalité. Burton sait exactement comment mélanger les deux pour créer un monde qui n’est ni entièrement réaliste ni entièrement inventé. Dans l'une des scènes les plus mémorables, Edward Bloom raconte : On dit que lorsque vous rencontrez l'amour de votre vie, le temps s'arrête. A ce moment, Burton fige tout dans le cirque sauf un jeune Ed ( Ewan McGregor ) alors qu'il se dirige vers une jeune Sandra ( Alison Lohman ), avant de tout accélérer à nouveau. C’est cette utilisation du réalisme magique, qui exagère la vérité, qui permet à Burton de transmettre la beauté de la vie de manière unique.

Cygne noir (2009)

Nina (Natalie Portman) dansant le rôle du Cygne Blanc dans Black Swan (2010).

Darren Aronofsky Le thriller psychologique de prouve que le réalisme magique peut se manifester dans n’importe quel genre et toujours fonctionner avec brio. En effet, les thèmes obsessionnels du film ont profondément trouvé un écho auprès du public et ont été accueillis positivement par la critique après sa première au Festival international du film de Venise 2010. Lorsque la ballerine déterminée Nina Sayers ( Nathalie Portman ) obtient le double rôle de la Reine des Cygnes dans la reprise du Lac des Cygnes par sa compagnie, elle sombre lentement dans la folie alors qu'elle tente de prouver au théâtre et à elle-même qu'elle est parfaite pour le rôle.

L'ouverture du film, bien qu'ayant un ton nettement éthéré, est toujours ancrée dans le réalisme. Tout semble bien dans le monde de Nina, jusqu'à ce que la pression de son travail monte et qu'elle commence à entendre et à voir des choses qui n'existent pas réellement. Alors que Nina rivalise avec son opposé polaire, Lily, charmante sans effort ( La Mila est aussi ), Aronofsky utilise un réalisme magique plus sombre et sinistre pour opposer sa réalité à ses illusions. Cela renforce l’idée que la perfection est inaccessible et souligne les conséquences qu’une obsession aussi forte peut entraîner.

Bêtes du sud sauvage (2012)

Quvenzhané Pays de Galles est entrée dans l'histoire avec ce film aux Oscars en 2013, étant la plus jeune personne à 9 ans à être nominée pour la meilleure actrice. La nomination était tout simplement bien méritée, puisque Wallis se transforme en Hushpuppy, un enfant intelligent et imaginatif. Hushpuppy voyage à travers sa communauté inondée dans le Bayou de Louisiane, alors qu'elle lutte pour donner un sens à une relation difficile avec son père Wink ( Dwight Henri ), dont la santé se dégrade rapidement.

Le monde du film est vu à travers les yeux de Hushpuppy, et chaque image est imprégnée de la beauté et de la magie des merveilles de l’enfance. Cependant, le directeur Ben Zeitlin commence lentement à intégrer des éléments de réalisme magique alors que Hushpuppy commence à faire face à des créatures préhistoriques appelées aurochs. De cette façon, Zeitlin reflète les problèmes réels de Hushpuppy avec des obstacles imaginaires. C’est une excellente utilisation de la technique et un incontournable pour la performance de Wallis.

L'homme-oiseau (2014)

Michael Keaton dans Birdman ou (La vertu inattendue de l'ignorance)

C'est la comédie noire du cinéaste Iñárritu qui a remporté quatre Oscars, dont ceux du meilleur réalisateur et du meilleur film. Riggan Thompson ( Michael Keaton ) est une ancienne star de cinéma d'action échouée qui décide de faire ses débuts à Broadway dans une adaptation théâtrale. Cependant, alors qu'une série d'obstacles avant la soirée d'ouverture commencent à se multiplier, Riggan se demande s'il mérite d'être un artiste respecté.

La première fois que nous voyons Riggan dans le film, il est assis les jambes croisées, en lévitation dans les airs. Cependant, il n’est pas dans un décor magique. Il est dans une loge de théâtre faiblement éclairée, en désordre et banale. Tout au long du film, Iñárritu utilise cette juxtaposition exacte entre le réel et le surréaliste pour souligner la nature maniaque de l’état émotionnel de Riggan. Ceci, combiné avec le légendaire cinéaste Emmanuel Lubzeki Les plans longs et réguliers de créent une utilisation magnifique, souvent hypnotique, du réalisme magique.

Frontière (2018)

Ce Swedish film from direcàr and co-writer Ali Abbassi est un conte inoubliable qui a apporté une toute nouvelle couche au genre fantastique. D'après la nouvelle de l'écrivain suédois Ajvide Lindqvist , le film a été bien accueilli au Festival de Cannes 2018 et a été nominé pour le meilleur maquillage et coiffure à la 91e cérémonie des Oscars. L'histoire suit la douanière Tina ( Eva Mélander ), qui utilise son odorat nettement accru pour repérer les produits de contrebande illégaux dans les valises. Cependant, tout ce qu'elle sait d'elle-même et de son monde est remis en question lorsqu'elle rencontre le mystérieux Vore ( Eéro Milonoff ).

Au début du film, le monde qui entoure Vore et Tina ressemble exactement à notre quotidien. Cependant, les deux forment un lien, Tina, même si elle sait qu'elle est différente, se rend compte qu'il y a plus dans son identité qu'elle n'aurait pu l'imaginer. Abbasi mélange des éléments d'horreur, de réalisme surnaturel et magique pour élever le voyage émotionnel de Tina. Tout est clinique et stérile jusqu'à ce qu'elle trouve la magie et la beauté dans une vie avec Vore. C’est le réalisme magique qui crée un nouveau sentiment d’espoir pour Tina et crée finalement l’un des films les plus imprévisibles du genre.